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18 de noviembre de 2010



Fue el barcelonés Enric Bernat quien inventó el chupa chups a finales de los años 50. Nacido en una familia de confiteros, Bernat decidió comercializar caramelos con palo pensando en los niños, principales consumidores de golosinas y muy dados a sacarse los dulces de la boca con las manos en plena degustación. El primer chupa chups fue bautizado con el nombre de Chups y salió al mercado al precio de una peseta, bastante elevado para la época. A pesar de ello, la idea triunfó. Un eslogan publicitario de la marca decía "chupa Chups" y la gente lo adoptó como nombre del producto. Tal ha sido el éxito de los chupa chups que en 1979 llegaron a venderse más de 10.000 millones de unidades en todo el mundo. Algo más tarde, en 1995, fueron consumidos incluso en el espacio por astronautas rusos de la estación espacial MIR. Hoy en día, la producción anual es de unas 17.000 toneladas; la producción diaria, de unos 12 millones de unidades.

Más...

Hay unos 50 sabores
El abuelo de Enric Bernat fue el primero en fabricar caramelos en España.
El diseño del logotipo fue encargado a Salvador Dalí.
El motivo de que el palo del Chupa Chups tenga un agujero es para asegurar que el caramelo quede bien sujeto y no se desprenda del palo.
Chupa Chups tiene la patente de cualquier forma que se le pueda dar a un caramelo.
Hay un Club Chupa Chups que reune a 70.000 personas de todo el globo.
Es uno de los mayores sustitutos del tabaco para los ex fumadores.


13 de noviembre de 2010

Nose Art

A lo largo de la historia el hombre ha decorado sus armas de guerra. Los carros de batalla egipcios, los Drakkar Vikingos, las armaduras de los samurais, las pinturas de los nativos americanos, o los escudos de armas de los caballeros son algunos ejemplos. Los motivos para esto son variados, desde identificación personal hasta motivos más sobrenaturales como protección contra el mal o ayuda divina para la batalla. Durante el siglo XX esta tradición se mantuvo en uno de los inventos bélicos más letales nacido en ese mismo siglo: el avión. Adornado con diversos motivos, con contenido sexual, para ridiculizar al enemigo, como talismán de buena suerte, o como un grito de guerra, el “Nose Art”, es decir, el “arte de nariz” o el arte de ilustrar los morros o laterales de los aviones de combate, se usó para personalizar el avión, destacándolo del resto de aviones totalmente iguales a excepción del nº de serie.


 
Esta personalización llegó a tal punto que, sobre todo en los bombarderos de la segunda guerra mundial, la mayoría de la tripulación y oficiales de la base se referían a los aparatos por el "nombre" y no por su código. Lo cierto es que el “Nose Art” empezó antes. Las primeras ilustraciones datan de 1913, en un hidroavión de la marina italiana, que ostentaba una serpiente marina en el costado.


 
Sin embargo la edad de oro del “Nose Art” se vivió durante la segunda guerra mundial.

 
Durante el conflicto, aquellos hombres expuestos constantemente a la muerte contaron con el beneplácito de los mandos a la hora de pintar sus caros aviones. Esto, elevaba la moral de la tropa, adquiriendo muchas formas, historietas, gritos de guerra, nombres, y como no, las chicas Pin Up, ligeras de ropa. Muchos aviones eran bautizados con nombres femeninos como “La Bella de Detroit” o “La muñequita de Texas”. La ornamentación iba también en consonancia; chicas con un mínimo disfraz de cowboy, en bañador o directamente sin ropa solían adornar la parte delantera de las fortalezas volantes B-29.


 
Los dibujos no eran fruto de improvisación sino que requerían, además de inspiración, conocimiento de los materiales a emplear y una buena técnica.


 
Las tripulaciones buscaban a los mejores dibujantes de entre los soldados de la base, los cuales cobraban según su cotización. Pero las inquietudes artísticas de estos hombres hallaron un serio obstáculo cuando varios de estos aviones fueron trasladados a Estados Unidos para ser reparados; la existencia de esos provocadores dibujos llegó a conocimiento de varios grupos religiosos, que pusieron el grito en el cielo al considerarlos indecentes. (Curiosamente, parece ser que un avión bombardee a personas inocentes entra dentro de su moralidad, y decorar tal avión es de mal gusto).El mando de las Fuerzas Aéreas no quiso tener problemas con estos grupos y cursó la orden de que se borrasen los atrevidos dibujos de los aviones.



 

Por fortuna para los artistas y las tripulaciones, la consigna no fue tenida en cuenta por los responsables de las bases aéreas y los aviones por algún tiempo, siguieron luciendo los atrevidos motivos en los fuselajes.




Los tigres voladores
Los Tigres Voladores de Chennault eran un grupo de aviadores voluntarios que EEUU puso a disposición del gobierno chino para hacer frente a los bombardeos japoneses. Estos valientes pilotos provenían del Ejército, la Marina y los Marines. Para ellos su jefe no pudo conseguir nada mejor que 100 cazas P-40 Tomahawk, que formaban parte del programa de Préstamo y Arriendo de material bélico. Los británicos habían rechazado estos aparatos debido a que su experiencia de uso contra cazas alemanes había demostrado que eran muy vulnerables.



A mediados de 1941 los aparatos y los hombres fueron enviados a China, en donde se comenzaron a idear tácticas adecuadas para su uso coordinado. Pensando en darles un golpe psicológico a los japoneses, los aviadores tomaron como base la idea de un escuadrón británico que pintaba los morros de sus aviones con bocas de tiburón. Los pilotos se pusieron como nombre Tigres Voladores, y un dibujante de la Disney diseñó su logo, un tigre de Birmania con pequeñas alas que saltaba a través de una V de la Victoria Los Tigres recibían dinero por cada avión derribado, pero también se les acreditaban los aviones destruidos en el suelo, a diferencia del resto de las unidades aéreas de la época.



Fuentes:
Imágenes Google

10 de noviembre de 2010

Extra Cine

En las últimas semanas he visto algunas películas de estreno. De ellas quería hablar en su momento pero el trabajo se me fue acumulando en la carpeta de borradores y ahora me da una pereza enorme hablar detalladamente de cada una de ellas; por eso las he reunido en este post.
Empecemos por la que tengo más reciente...

Adele y el misterio de la momia.
Basada en un personaje del cómic del dibujante Jacques Tardi, la película se centra en las peripecias de Adèle Blanc Sec, una intrépida reportera que viajará hasta Egipto para encontrar una momia que puede ayudarle a curar a su hermana. No me gustó. Y no es que el trailer no avisara porque de hecho al verlo queda bastante claro que la película es de serie Z, por lo menos. Empieza bien pero se vuelve una tontería infumable. Me gustan las momias, Egipto, París, pero definitivamente no entiendo el humor galo. Ya me pasó con Asterix y Obelix, pero en aquella ocasión fue peor porque pagué entrada. Si tuviera que puntuarla le pondría un 3

El aprendiz de brujo.
La produce Disney, así que ya te puedes imaginar que es un producto bastante “light”. Muchos efectos especiales, pero una historia flojita. Destinada al público infantil cuenta la historia de un muchacho que de la noche a la mañana descubrirá que es el elegido para ser el ayudante de uno de los mejores hechiceros de la historia, que tiene poderes mágicos y que deberá enfrentarse a otro peligroso hechicero que está empeñado en liberar a una malvada bruja y destruir el mundo conocido. Protagonizada por Nicolas Cage, Alfred Molina, Jay Baruchel, y Monica Bellucci. Lo mejor de la película, el guiño a Fantasía. Mi puntuación sería un 4.5.

Un pequeño cambio. Kassie va cumplir los 40 y sigue sin encontrar a su príncipe azul, así que decide no esperar más y recurre a la inseminación artificial para tener un bebé. Siete años más tarde, vuelve a vivir en Nueva York y se reencuentra con su neurótico e inseguro mejor amigo, Wally, quien, curiosamente, comenzará a sentir una fuerte e inexplicable conexión con el hijo de Kassie, el pequeño Sebastian, un niño con el que comparte algo más que sus múltiples manías y excentricidades... Basada en el relato "Baster", del novelista ganador del premio Pulitzer Jeffrey Eugenides, autor de "Las vírgenes suicidas". Cumple con todos los clichés de la comedia romántica. Tiene buenos diálogos. Es entretenida, pero no deja huella. No me gusta especialmente este tipo de películas; sobre todo porque me parecen calcadas unas de las otras, pero esta se desmarca un poco de la línea. Sigue siendo previsible de todas formas. Aunque se deja ver y es amena. Mi puntuación, un 4.7.

Mi segunda vez. En la línea de “Un pequeño cambio”. Sandy, una madre de 40 años, descubre que su marido le es infiel. Destrozada, decide dar un giro radical a su vida y trasladarse con sus dos hijos a New York. Allí conoce a Aram, un chico de 24 años, del que se enamora. La diferencia de edad entre los dos será su mayor obstáculo. No me gustó nada. Floja, en ocasiones desagradable, aburrida. Mi puntuación, sin duda, un 2.
Noche y día. La verdad, la película es un auténtico disparate. Una alocada carrera en la que nadie es lo que parece, nada tiene sentido, ni pretende tenerlo; una delirante parodia de las películas de acción y espías de ritmo frenético; una chifladura que resuena a otras películas del género, como Misión imposible, o James Bond. Entretenida, pero de esas pelís que cuando acaban no puedes evitar exclamar bien alto: ¡Tremenda tontería! Una tontería simpática, sí, pero tontería al fin y al cabo. ¿Dónde está el problema de “Día y Noche”? Pues que le falta chispa. Los diálogos son vacíos, absurdos. Y la escena de los “San Fermines”, en Sevilla… ¡ya les vale!, que no cuesta nada buscar en Google “San Fermines” y enterarse de que son en Navarra. Y además para acabar de liarla más aún, toma tango para acompañar las escenas, si es que estos de Hollywood no se enteran.
Le pongo un aprobado porque al menos te ries, y eso simepre se agradece. 5
Ahora revisando las películas me doy cuenta de por qué había ido aplazando el hablar de ellas. La mayoría, por no decir todas, son malas. Por lo tanto no puedo recomendaros ninguna, ni siquiera para llenar una tarde aburrida lluviosa.

9 de noviembre de 2010

Feliz navidad


 
Sí, ya sé que falta más de un mes, que aún es demasiado pronto, pero no he podido contenerme. Las fiestas navideñas ya están aquí, a la vuelta de la esquina.
No sé vosotros, pero a mí que la navidad se adelante cada año un poco más me pone de un humor de perros. Me gusta la navidad, con sus luces, su ambiente festivo y todo lo demás, pero odio algunas cosas asociadas a estas fiestas, como el consumismo desatado, y la impresión de que hay que gastar por gastar.
El colmo es que hace semanas, ¡semanas!, que los supermercados y algunas tiendas han puesto a la venta productos navideños. ¡Cualquier año enlazaremos directamente el verano con la navidad! Turrones, bombones de esos que vuelven con el frío, latas de bizcochos, peladillas, y adornos varios para la mesa de nochebuena se ponen a la venta con tanta antelación que  a mi, personalmente, me choca.
El sábado estaba viendo la tele y no pude contar los anuncios de juguetes que pusieron. Vale, eso lo entiendo más, hay que dar tiempo a los niños a decidirse, crearles alguna necesidad irrefrenable con el nuevo anuncio de videoconsolas, y dejar tiempo a los padres a ahorrar un poco. Pero, ¿por qué no entienden los programadores de televisión, que algunas personas nos estresamos con tanto adelanto? Hace unos días, un programa de la  televisión autonómica puso un reportaje sobre cómo adornar la mesa el día de nochebuena, además también hicieron un repaso a los nuevos adornos hinchables. Sí, son muy bonitos, quedan muy bien en la mini terraza abarrotada de tu piso, entre las macetas, la bicicleta estática y la secadora., junto a los reyes magos escaladores y los neones luminosos que enmarcan la ventana. Pero de verdad ¿te hace falta? Es decir, ¿para qué demonios quieres un papa Noel inflable de dos metros? Estos reportajes no estarían fuera de lugar si se hicieran la semana antes de nochebuena, pero faltando más de un mes, no los comprendo. Todo este merchandising navideño me pone un poco enferma. Si hasta las calles ya lucen  alumbrado (apagado todavía pero ya preparado).
Todo nos lleva a lo mismo. Gastar. Comprar, despilfarrar, volverse loco y fundir la tarjeta de crédito. Que no está mal, que hay que levantar la economía, pero qué diablos, la navidad no es eso. Ese no es el espíritu navideño.
Parece que lo hemos olvidado. Las fiestas navideñas cada vez me gustan menos, quizás porque ya no queda nada de aquellas fiestas donde lo importante era reunirse, celebrar en familia, y lo material quedaba en segundo plano. Ahora es al revés, lo importante es lo material y lo secundario lo que importa de verdad.

7 de noviembre de 2010


El 15 de Diciembre de 1664 un barco se hundía en el estrecho de Menay, en la costa del norte de Gales. Como consecuencia del hundimiento 82 pasajeros de los que componían el pasaje murieron, salvo un hombre llamado Hugh Williams. Ciento veintiún años después, el 5 de Diciembre de 1785, otro barco se hundía, pereciendo 60 pasajeros y sobreviviendo una única persona, llamaba Hugh Williams. Años más tarde, un 5 de Agosto de 1860, otro barco zozobraba en el mismo lugar muriendo 25 pasajeros. Sólo uno de ellos consiguió sobrevivir; su nombre era…Hugh Williams.

5 de noviembre de 2010


En Arizona, cerca de Page, el tiempo, las lluvias monzónicas y la erosión se han aliado para tallar sobre la piedra arenisca un escenario natural sobrecogedor. Antelope Canyon es una formación geográfica en territorio navajo. Sus pasillos están llenos de sinuosas curvas y oquedades bellamente iluminadas por los lucernarios que rasgan la parte superior, como si de una catedral se tratase.



El Antelope Canyon (en español, Cañón del Antílope) es uno de los cañones estrechos (del inglés slot canyon) más visitados y fotografiados del sudoeste estadounidense. Este cañón está situado en una reserva de indígenas navajos. De hecho, las visitas a este cañón han de hacerse con un guía (navajo).



La formación geológica se ha ido horadando debido al paso de corrientes de agua a través de un proceso de epigénesis durante miles de años, y sus paredes llegan a alcanzar los 40 metros de altura en algunos puntos.



Consiste en dos formaciones separadas, denominadas individualmente como Upper Antelope Canyon (Cañón del Antílope superior) y Lower Antelope Canyon (Cañón del Antílope inferior).



Una de las razones por las que el cañón sólo puede visitarse con guía es el peligro de inundaciones instantáneas, ya que las lluvias torrenciales en la región pueden provocar la inundación total del cañón en cuestión de minutos (principalmente por corrientes de agua que se originan en regiones de más altitud). De hecho, uno de los motivos por los que este cañón ganó en popularidad fue la muerte de once turistas el 12 de agosto de 1997. El único superviviente de aquella catástrofe fue el guía.



Fuentes: Wikipedia, Google imágenes.

3 de noviembre de 2010

Cartas a Julieta

Título Original: Letters to Juliet
Director: Gary Winick
Guión: José Rivera, Tim Sullivan
Música: Andrea Guerra
Fotografía: Marco Pontecorvo
Reparto: Amanda Seyfried, Vanessa Redgrave, Gael Garcia Bernal, Franco Nero, Christopher Egan, Marcia DeBonis, Giordano Formenti, Fabio Testi, Oliver Platt
Productora: Applehead Pictures / Summit Entertainment
Año: 2010
Duración: 105 min.
País: EEUU
Género: Comedia romántica
Sinopsis: Sophie es una aspirante a escritora de una revista. Junto con su novio Víctor, vuela desde Nueva York a Italia para vivir algo del romance que mucha falta le hace a la relación. Mientras Víctor está fuera, ocupándose de unos asuntos de trabajo, Sophie se encuentra en el famoso patio de Verona de los amantes de Julieta Capuleto, donde mujeres de todas partes del mundo le dejan a Julieta cartas de amores perdidos y no correspondidos. Sophie descubre allí una carta escrita hace 50 años por Claire Smith, quien buscaba a un joven italiano que la cautivó siendo adolescente. Para sorpresa de Sophie, su carta inspira a Claire, ahora anciana, para viajar a Verona en busca de su amor perdido.


Cartas a Julieta es de esas películas que te dejan una buena sensación. Cuenta una historia indiscutiblemente previsible, como dictan los cánones de la comedia romántica, aunque agradable. Podría decirse que es la típica película de “chicas”, abarrotada de romanticismo y más romanticismo. Así que avisado quedas. Si no eres una chica o esto del sentimentalismo no va contigo mejor será que huyas en dirección contraria. Porque en Cartas a Julieta no vas a encontrar nada más. Amor, sentimientos y algún que otro tópico sobre la bella Verona y la hermosa Toscana. Una fotografía deslumbrante, llena de luz, como uno de esos anuncios de pizza; todo muy bucólico y perfecto. Campos de trigo, colores vivos, viñedos y cielos rosas. Pero sobre todo una historia de amor que traspasa el tiempo y la distancia. La historia de Claire Smith, interpretada por una magnifica Vanessa Redgrave, y su Lorenzo Bartolini, un italiano pasional de increíbles ojos azules, al que da vida Franco Nero.



De todas las historias de amor que se narran en la película, la única convincente para mi fue ésta. Y es que hay algo poderoso en la mirada de esta actriz; algo que hace que conectes rápidamente con ella, y que sientas su personaje como parte de ti misma. Justo eso fue lo que me pasó. Sentí su ilusión, su miedo, y su incertidumbre en ese viaje fabuloso a través de la Toscana en busca de su amor de juventud. No es que las otras historias de amor no me gustaran, pero a mi parecer son un poco forzadas. Por ejemplo, la chica protagonista, Sophie, está prometida con Víctor, que es chef y muy egocéntrico. Desde el primer momento se ve que su relación no va del todo bien. Él está tan absorbido por su trabajo que apenas le hace caso. No parece verosímil que una chica como Sophie haya podido enamorarse de alguien como Víctor. Pero es que tampoco parece probable que pueda sentirse atraída por el otro chico protagonista; un inglés algo insoportable, que se muestra bastante desagradable con ella en un primer momento. Luego la cosa cambia, naturalmente. La hostilidad del inglés con la romántica americana se disuelve a base de miradas, paseos y helados. Todo muy típico, y precipitado, pero cumple con las expectativas.
Una película fluida, nada empalagosa, bonita y positiva. Entretenida y fresca, con un final feliz y versos de Shakespeare. Mejor que otras comedias románticas que he podido ver en este último año.


1 de noviembre de 2010


La invención de las gominolas se la debemos a Hans Riegel, quien en 1920 tras dejar la compañía de dulces duros Kessenich Heinen creó por su cuenta la empresa HARIBO. El nombre HARIBO proviene de su fundador y de la ciudad donde estaba instalada la fábrica, Hans Riegel Bonn.
La primera sede de la compañía fue el patio de su casa, y el primer capital de esta fueron un saco de azúcar, una losa de mármol, una estufa y una olla de cobre. La primera empleada de la empresa fue la mujer de Riegel y el primer método de distribución fue su bicicleta. Riegel eligió la archifamosa forma de osito bailarín como homenaje al circo que visitaba todos los años su ciudad, al que era asiduo, y que contaba, como atracción estrella, con un ballet de osos bailarines.

Fabricado con goma de fruta, rápidamente estos dulces adquirieron gran popularidad. La expansión de la empresa fue rápida. Sólo cinco años después ya contaba con 160 empleados y distribuía sus productos por toda Alemania desde una factoría a las afueras de Bonn.
El gran espaldarazo a nivel europeo que tuvieron los ositos de gominola, llegó tras la contratación en 1933 de un asesor publicitario, quién ideó la famoso eslogan "HARIBO hace felices a los niños" "HARIBO macht Kinder froh ".
En 1935 ya habían abierto su primera filial en Dinamarca. La expansión de los ositos de gominola parecía imparable, y en 1939 ya contaban en nómina con 400 empleados. Pero justo ese año estalló la 2ª Guerra Mundial y el aprovisionamiento de materias primas, dado el carácter no estratégico de la compañía, se hizo muy complicado. Al final de la guerra, en 1945 la empresa sólo contaba con 20 empleados. Ese mismo año falleció Hans Riegel, pasando la dirección a manos de su mujer y sus hijos.
Actualmente el consumo de este tipo de golosinas ronda las 106.000 toneladas anuales.


26 de octubre de 2010

De miedo V

Esta es la entrada que más me ha costado hacer, y no precisamente porque sea difícil encontrar material sobre los zombies; la red está llena de ellos, zombies tontos, lentos, putrefactos, y también su variante más actual, los que se caracterizan por su rapidez y hambre voraz de carne humana, en concreto se pirran por los cerebros. Zombies los hay tanto en el cine, que se nutre de estas historias cada dos por tres, como en la literatura, cómics o videojuegos. Estos muertos vivientes han evolucionado y no sólo porque la calidad de sus maquillajes y efectos especiales lo haya hecho. Ahora son más sangrientos, mas desagradables y mucho más “gore”.
Como habrás podido observar esta es la quinta entrega del apartado dedicado al miedo. Ha habido cuatro entradas más relacionadas con personajes “de miedo”. Vampiros, momias, hombres lobo y el adorable Frankenstein. Tenía intención de poner un link que os llevara hasta ellos pero el blog me está dando problemas y no he podido. Por eso decía que es la entrada que más me ha costado hacer. No sé qué pasa pero cada vez que intento subir una foto se cae la página y no puedo. Así que aquí me tenéis, con un dolor de cabeza considerable gracias al blog. Y no es plan. Hasta hace nada he estado tentada de desenroscármela, cual zombie, y arrojarla por la ventana. Y ya me diréis a donde voy sin cabeza. Me mirarían raro por la calle. El caso es que debe haber un virus en mi ordenador, o Blogger va mal, o yo que sé. Pero no ha habido manera de subir las fotos que quería, y el nuevo editor de entradas aunque tiene ventajas interesantes tiene unas desventajas enormes, y ni por esas. Nada, que no he podido hacer la entrada de los zombies que hubiera deseado. Es lo que tiene ser perfeccionista. En fin, de todos modos estos personajes del horror son los que menos me gustan, y creo que se nota.



El primer “muerto viviente”

Osiris era el dios de la agricultura y enseñó a los egipcios el arte de la siembra. Todos le querían mucho, menos su terrible hermano Set, que era el dios del desierto y de las cosas malas; la envidia que le tenía le hizo coger a su hermano y cachearlo en catorce trozos, y los tiró al rio Nilo. Isis, la hermana y esposa de Osiris, fue en busca de los pedazos y los cosió y embalsamó para traerle de vuelta a la vida. Después de mucho buscar encontró todos los trozos menos uno, que un cangrejo se comió, convirtiéndose desde entonces en un animal maldito. Con la ayuda de Anubis y de Thot, Osiris volvió a la vida pero como el dios de la muerte, con la forma de una momia con cara verde.

Vudú

Un zombi es una figura legendaria propia de las regiones donde se practica el culto vudú. Se trataría de un muerto resucitado por medios mágicos por un hechicero para convertirlo en su esclavo. Por extensión, ha pasado a la literatura fantástica como sinónimo de muerto viviente y al lenguaje común para designar en sentido figurado a quien hace las cosas mecánicamente como si estuviera privado de voluntad.
De acuerdo con la creencia, un houngan, bokor o hechicero vudú sería capaz mediante un ritual de resucitar a un muerto, que quedaría sin embargo sometido en adelante a la voluntad de la persona que le devuelve a la vida. Estos muertos vivientes son llamados zombis. La palabra podría tener relación con el nombre de una serpiente divina que es objeto de culto en las regiones de lenguas níger-congo y que está emparentada con el término kikongo nzambi, que significa dios.

El vudú ha sido un fuerte referente para la cultura popular, debido a la atribuida capacidad de los bokor para resucitar a los muertos y hacerlos trabajar en su provecho, así como la de provocar la muerte a voluntad.


El Vudú, también conocido como vodun, es una religión originada en África Occidental. Está provista de un fuerte componente mágico y provine del Animismo. Tienen un Dios Creador, Mawu, aislado de lo terreno. Sus hijos son los Dioses o espíritus Actores, llamados Voduns (loa o lwa) encargados de regir las cuestiones terrenales.
Los seguidores de esta religión creen en la vida después de la muerte y en la existencia de diversas jerarquías espirituales, unas malignas, otras benignas y otras amorales. Estas influyen en el mundo a través de personas con poderes (hougan) y ayudan a aquellos que les convocan. Los Hougan, sacerdotes, son hombres con fines benéficos, cuando sus intenciones son nefastas entonces se llaman Bokor, conocidos como hechiceros o brujos. Las mujeres también pueden ser intermediarias se les conoce como Mambo y actúan como consejeras y curanderas, también tienen conocimientos de hechicería y brujería. La Brujeria vudú se conoce como Wanga pero hay una más peligrosa y mortífera: Lampe noire (lámpara negra).


Los muñecos vudú se utilizan para dañar o controlar a las personas


Zombies y cine

La noche de los muertos vivientes, la pionera.

La película que marcó el antes y el después en el género, sentando las bases de todo lo que vino luego. George A. Romero, el director más influyente en películas de muertos vivientes, zanjó firmemente las líneas por las que discurrirían estas criaturas en los años venideros: andares de sonámbulo (piernas arrastrando, brazos levantados), insaciable instinto de comer carne humana, plaga de tintes apocalípticos y escala mundial, y campamentos creados por los humanos como único refugio seguro para los supervivientes.

Como la mayoría de las películas de terror de culto, el film fue rodado con unos medios bastante precarios: en celuloide de blanco y negro de 16 mm., con un presupuesto de 114.000 dólares y la mayoría de los actores amateurs, muchos de ellos amigos y familiares del propio director. El resultado fue una cinta de atmósfera macabra y enfermiza que no haría sino mejorar el resultado final de la producción, que desde su primera escena da la impresión de que las cosas no van a ir sino a peor. Fue motivo de dos secuelas de Romero, ‘Zombi’ y ‘El día de los muertos’, y de un remake de Tom Savini en los años 80.

Una de zombies a la española, Rec.

Jaume Balagueró volvía a demostrar que el cine español también puede dar buenas películas de terror con esta cinta co-dirigida junto a Paco Plaza. El film está rodado como un falso documental y se desarrolla en torno a Ángela, una joven reportera que, junto a su inseparable cámara, Pablo, acompaña a un grupo de bomberos para grabar sus labores a lo largo de un día de trabajo.
Lo que comienza siendo un reportaje monótono y aburrido pronto se convierte en una gran exclusiva cuando la unidad a la que siguen debe dirigirse a una casa donde están ocurriendo extraños fenómenos. Todo se complica cuando tratan de abandonar el portal, ya que el inmueble entero ha sido precintado por los servicios públicos condenándolos a permanecer en su interior.
El film fue rodado con un presupuesto bastante modesto en un portal de las Ramblas de Barcelona, con cámaras digitales y teléfonos móviles de última generación para grabar todo lo ocurrido en tiempo real. Los actores no sabían prácticamente nada de lo que estaba ocurriendo en cada momento, por lo que debían improvisar sus reacciones. Todo ello aporta al film un gran realismo, con lo que logra asustar, y bastante.
Su éxito tanto de crítica como de taquilla no se hizo esperar. 'Rec' cuenta con tres premios Goya, cuatro premios del Festival Internacional de Cine de Cataluña, un remake estadounidense (‘Cuarentena’), mientras que sus autores, que ya estrenaron una segunda parte bastante más floja y menos impactante, preparan ya otras dos entregas. Paco Plaza se encargará de la precuela, 'Rec: Génesis', y Jaume Balagueró dará fin a la saga con 'Rec: Apocalipsis'.

El cine de zombis surgió en 1930 como reflejo del folclore y las leyendas haitianas asociadas a la magia negra y el vudú. Considerado un subgénero del cine de terror, se le encuadra dentro de la serie B.

Zombies televisados

Dead Set, en España titulada Dead Set: Muerte En Directo, es una serie de televisión inglesa de terror creada por el escritor inglés Charlie Brooker y nominada a los premios BAFTA. La serie de cinco capítulos cuenta la siguiente historia: los participantes de un Gran Hermano quedan aislados del mundo exterior durante una epidemia zombie, sin saber lo que ocurre realmente al principio. Este punto de partida sirve para hacer una crítica mordaz de los medios de comunicación y del ansia de morbo del ser humano.

El videoclip más famoso de la historia

El vídeo musical más famoso de Michael Jackson, y seguramente de todos los tiempos, reinventó el concepto de videoclip al narrar una historia como si fuera un cortometraje.

Thriller, video musical de la canción del mismo nombre de Michael Jackson, fue dirigido por John Landis y se estrenó el 2 de diciembre de 1983.
Con una duración de 14 minutos, fue el video musical más largo hasta entonces, sólo superado por otro video del propio Michael Jackson en 1996, Ghosts (de 40 minutos). Se le considera como el mejor de la historia y redefinió el concepto de los videos musicales. La coreografía del baile, el vestuario y la música, hacen que Thriller se asemeje a un musical de terror, al aparecer monstruos clásicos del género como el hombre lobo y los zombies. El coste del video fue de 800.000 dólares (equivalentes a 1,4 millones del año 2007), un récord que se mantuvo hasta que fue superado por el de la canción Scream también de Michael Jackson.
Thriller tiene una estructura más cercana al cortometraje que al vídeo musical y en él se parodia el género de zombies y las películas de terror en general.
Desde un primer momento fue muy emitido por la cadena MTV, fundada poco antes, e incluso llegó a ser emitido dos veces por hora (algo notable teniendo en cuenta su larga duración). El video ganó el premio a la mejor coreografía en la ceremonia inaugural de los premios MTV y alcanzó un éxito inusual, relanzando comercialmente el álbum Thriller, que llevaba un año en el mercado con ventas superiores a las esperadas.
En el 2009, el videoclip de Thriller,"Una fastuosa producción que revolucionó la industria de la música”, fue incluido en la lista de películas del Registro Nacional de EEUU para su preservación.



MusicPlaylist


Actualización. Blogger me ha dejado editar, aquí van los enlaces de los cuatro capitulos anteriores, por si a alguien le apetece verlos:


Vampiros

Momias

Frankstein

Hombre lobo

24 de octubre de 2010

¡Viva Calaca!

Se acerca el día de los muertos. Una fecha que en algunos paises del mundo se celebra no con lágrimas, sino como si de una fiesta se tratara. Así es Mexico, con su colorido fabuloso y su rica cultura de contrastes. Aqui os dejo estos cortometrajes musicales basados en el Día de Muertos Mexicano. La música original es del artista americano Voltaire.
'¡Viva Calaca!' ha obtenido varios premios de animación y ha sido proyectado en numerosos festivales alrededor del mundo.

¡Viva Calaca! Day of the Dead from Ritxi Ostáriz on Vimeo.



Dirección, ilustración y animación del segundo capítulo del proyecto '¡Viva Calaca!'. Este episodio es un homenaje a la escena 'Pink Elephants on Parade' del clásico de Disney 'Dumbo'. Música por la banda americana Circus Contraption.

¡Viva Calaca! 2. Pink Elephants on Parade from Ritxi Ostáriz on Vimeo.


20 de octubre de 2010


Durante la Primera Guerra Mundial el radio era utilizado para pintar las esferas luminosas de relojes e instrumentos militares. Se utilizaban cristales de sulfuro de zinc mezclados con sales de radio. Las partículas que emitía el radio chocaban con las moléculas de dichos cristales produciendo una luz que permitía ver en la oscuridad.
El radio se extraía de un mineral llamado “carnotita”. Gracias a esto surgió la patente de pintura luminosa “Undark”
La US Radium Corporation
fue la fábrica encargada de la elaboración y distribución del peligroso pigmento. Para lo cual se contrataron a cientos de mujeres que realizarían las labores de pintado.
Las chicas debían aplicar el Undark a los números y agujas de relojes y contadores con un pincel muy fino. Después de unos pocos trazos el pincel tendía a perder su forma, por lo que los supervisores animaron a las mujeres a utilizar sus labios y lengua para mantener la punta de los pinceles de pelo de camello limpia y afilada. La pintura brillante era totalmente insípida, y los supervisores les aseguraron que el único efecto secundario físico que sufrirían sería una ligera coloración rosa en las mejillas. La preocupación se redujo aún más por el hecho de que, en aquella época, el radio se comercializaba como un elixir médico para el tratamiento de todo tipo de dolencias.


Sin embargo, los propietarios de la fábrica conocían los riesgos reales y, naturalmente, tomaron muchas precauciones para protegerse. Sabían que el ingrediente clave del Undark era un millón de veces más activo que el uranio, por lo que los químicos de la compañía usaban pantallas de plomo, máscaras, y pinzas cuando trabajaban con la pintura. Pero dentro de la fábrica, donde casi todas las superficies brillaban con radioluminiscencia, estos peligros se desconocían. Algunas de las mujeres, ignorando los riesgos, se divertían pintado sus uñas y dientes con la pintura. Aquel era un juego divertido que tenía como objetivo sorprender a sus novios cuando las luces se apagaran.

Poco a poco las mujeres fueron enfermando: Anemias, neoplasias, necrosis y lo que más tarde se bautizó como ‘Mandíbula de Radio‘. En 1925 un dentista de Nueva York atribuyó las patologías encontradas en el 80% de las mujeres de la fábrica a la toxicidad del fósforo. Mientras varios informes, pagados por los propietarios del negocio, intoxicaron a la opinión pública achacando los síntomas a enfermedades de transmisión sexual como la sífilis, en un intento de manchar la reputación de las trabajadoras.
No fue hasta que una de ellas, Grace Fryer, demandó a la empresa cuando se consiguió movilizar a la opinión pública en lo que se considera la primera demanda por daños ocasionados en condiciones laborales abusivas; sentando jurisprudencia y los precedentes legales para redactar los primeros reglamentos modernos de seguridad y salud en el trabajo.
A Grace Fryer le costó dos años y 9 dientes encontrar al abogado Raymond Berry; único letrado que aceptó preparar la demanda contra la United States Radium Corporation. Con el apoyo de cinco chicas más de la fábrica y la complicidad de unos medios muy sensibilizados con la historia, llevaron el litigio a los tribunales en 1928.
Cuando se inició el juicio ninguna de las cinco chicas pudo prestar juramento de pie. Pero aún no habían terminado las maquinaciones de la empresa. De algún modo, convencieron al juez para que fuera retrasando la causa con los pretextos más peregrinos, con la esperanza de que las demandantes murieran antes de que se pudiera dictar sentencia.


La empresa fue condenada finalmente a pagar 100.000 dólares -de los 250.000 pedidos por el ministerio fiscal- y una pensión mensual y vitalicia de 600 a cada una de las ‘chicas radiactivas’; aunque muchas de ellas no llegaron a cobrar una sola mensualidad. Varios meses después la fábrica cerró abrumada por las dificultades en el modelo de negocio de un producto peligroso y las críticas públicas a una gestión delictiva y denigrante para con sus trabajadores. Nadie quería trabajar ya para la United States Radium Corporation.
La última trabajadora murió de cáncer en 1930. Pero no fue en vano, con ellas se despertó el movimiento sindical por la defensa de los derechos civiles del trabajador, ratificado en 1948. Y se modificaron, además, todos los procedimientos para la manipulación de los pigmentos y sustancias radiactivas.


Cortometraje "Glow", dedicado a las chicas del radio.



Fuentes:
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