5 leyendas negras de la historia del rock (1ª parte)

Led Zeppelin,  vicios a tutiplén

Si hay una banda de rock polémica esa es sin duda Led Zeppelin que experimentó allá por los años 70 toda clase de excesos, incluyendo drogas, sexo con menores, satanismo y hasta zoofilia. La banda británica, fundada en 1968, se había labrado fama de camorrista; legendarias eran sus borracheras, sus peleas y sus noches desenfrenadas, y los rumores que decían que a la banda le tiraba el tema del ocultismo, motivo por el cual se cuenta que entre las estrofas de algunas canciones como “Dazed & confused” o “Stairway to Heaven”  pueden encontrarse mensajes satánicos. Pero si hay un suceso que ha perseguido a la banda ese es el que tiene como protagonistas a una groupie pelirroja y a una pobre cría de tiburón, y sí, la historia está a la altura de perversión de una banda que le dio  dimensión a la palabra exceso.

Todo ocurrió en el verano loco de 1969, durante su gira más salvaje, en el momento álgido de fama, con miles de fans siguiéndoles los talones, y en el hotel Edgewater Inn de Seattle. Este hotel tiene una característica y es que desde sus habitaciones es posible pescar al encontrarse sobre un muelle. Así que el grupo estuvo pescando hasta que se aburrieron y decidieron pescar otra variedad, una femenina, muy joven, y con las hormonas pelín revolucionadas. La elegida fue Jackie, una groupie de 17 años. Corría el alcohol, claro, y supuestamente todo fue de mutuo acuerdo aunque se han dado muchas versiones. El caso es que la chica terminó siendo atada desnuda al cabecero de una cama mientras los chicos jugaban con uno de los peces que habían pescado aquella tarde, un pargo rojo para ser más exactos y no un tiburón como luego llegaría a transformarse con el tiempo. El manager del grupo, Richard Cole, que era incluso peor que los componentes de Led Zeppelin, cuenta divertido la anécdota que tuvo lugar a continuación en aquella habitación, y con pelos y señales relata a quien quiera oírle la forma bastante sádica en que la chica fue masturbada por el pobre pez. Disculpando los excesos de sus chicos, lo achaca al alcohol de más, al contexto; eran otros tiempos en que las groupies estaban allí, siempre disponibles e intercambiables, para satisfacer sus más bajos instintos. Convertida en un mito de la historia del rock, esta historia fue inmortalizada en una canción de Frank Zappa llamada “The Mud Shark”.

Cass Elliot y su última cena

Cass Elliot fue integrante y fundadora de The Mamas & the Papas y murió a los 32 años después de una noche gloriosa tras un concierto en el London Palladium. Cass siempre había destacado por su preciosa voz y por su sentido del humor; ella era el alma del grupo y la más carismática, pero sus problemas de sobrepeso, su alcoholismo y los celos entre los miembros de la banda supusieron el final de la misma. Cass empezó una carrera en solitario que apenas duró tres años, y que acabó con su prematura muerte un 29 de julio de 1974. Su muerte fue objeto de muchas especulaciones pero la que cobró más peso fue la que decía que la cantante había muerto asfixiada por un trozo del bocadillo que estaba cenando aquella noche; y es que en su habitación se había encontrado un sándwich a medio comer que dio pie a tales especulaciones. Lo cierto es que Cass Elliot murió de un fulminante ataque al corazón, seguramente por el estilo de vida que llevaba, su obesidad (pesaba más de 100 kilos para sus escasos 165 centímetros de estatura), y el estrés que padecía. Aún así fueron los medios de comunicación los responsables de que ese malicioso rumor se extendiera; el “Daily Express”, “The New York Times” y la revista “Rolling Stones” colocaron en titulares esta información basándose en las declaraciones del doctor Anthony Greenburgh que había dicho lo siguiente: “Por lo que vi al llegar al piso, parecía que había estado comiendo un bocadillo de jamón y bebiendo una Coca-Cola tumbada, algo muy peligroso. Esto habría sido especialmente peligroso para alguien como Cass, con sobrepeso y con una disposición a padecer un ataque al corazón. Parecía haberse atragantado con un bocadillo de jamón”.

Esta información fue errónea pero fue aprovechada por muchos para ridiculizar a Cass Elliot; su muerte se convirtió en un chiste, y su físico en objeto de crueles burlas. La última cena de Cass Elliot pasó a ser una de las más famosas de la historia de la música.

La música cura

Dicen de ella que es la medicina del alma, y es verdad. La música tiene esa cualidad extraña, consigue modular tu estado de ánimo hasta transformarlo por completo. Cuando una canción te llega, te “toca”,  ya no te abandona. Puede que el tiempo cambie su significado, porque la música cambia contigo, adaptándose a tus nuevas medidas corporales y emocionales, pero una vez que ha sido capaz de remover tus sentimientos siempre formará parte de la banda sonora de tu vida. Siempre estará ahí, hibernando o presente. Es la música que te ha acompañado en las etapas de la vida, con la que reíste o te enamoraste, con la que lloraste, echaste de menos o te emocionaste. Música con la que incluso puedes viajar en el tiempo.

Hace un tiempo leí que la música puede aliviar el dolor de una enfermedad terminal, es capaz de recuperar recuerdos en los enfermos de alzheimer,  tiene un efecto increíble en los fetos dentro del vientre materno y favorece el aprendizaje y la memoria. La música cura.

Escribo estas líneas escuchando una de esas canciones, uno de los “hits” de mi vida. Su melodía me acuna, me hace sentir un poco de melancolía y mucho de nostalgia porque hay tanto de poesía en esta canción de Antonio Vega... Ese ser demasiado apasionado, cansado y frágil, que tenía el coeficiente de Albert Einstein y un talento de otro mundo.

Antonio Vega escribió está canción en un momento en que no se encontraba bien, y aún así consiguió arrancar de la guitarra estos  acordes llenos de belleza y sensibilidad. Porque así era él, se entregaba a todo con pasión, a la vida, a las drogas, pero sobre todo a la música.

Y yo sólo sé que hay momentos en que vuelvo al sitio de esta canción, el sitio de mi recreo, y me siento muy próxima a él, a su forma de rasgar las cuerdas, a susurrar esa melancolía que es capaz de llevarme hacía un lugar bañado por el sol, de espiga y deseo, de silencio, brisa y cordura, de nieve, huracán y abismos... 

 Y escucharla con los ojos cerrados... El sitio de mi recreo.

Andy Burrows

Andy William Burrows nació el 30 de Junio de 1979, en Winchester, Inglaterra.  Comenzó su carrera como percusionista en la Banda de Jóvenes del Condado de Hampshire. Fue el bateria de Razorlight desde 2004 hasta 2009. A partir de 2009 pasó a ser batería de  We Are Scientists.

Con Razorlight  lanzó tres albumes: «Up All Night», «Razorlight» y «Slipway Fires». Burrows se convirtió en una pieza clave para el sonido y las canciones de la banda. Co-escribió hits como «America» y «Before I Fall to Pieces», y en el último disco canciones como «Hostage of Love», «Burberry Blue Eyes», «60 Thompson» y «Stinger» con Johnny Borrell.

Lanzó su primer disco en solitario con el seudonimo I Am Arrows, el disco se llamó «Sun Comes Up Again».

“Company” es su nuevo trabajo. Algunas de las canciones que están sonando fuerte son “Company”, “Keep On Movin On” , “Maybe You” y la orquestal “If I Had A Heart”.

 

Los 90 ¿otra vez?

Hace unas temporadas sufrimos un revival ochentero en toda regla, y si los ochenta volvieron los noventa no iban a ser menos. Parece que en cuestiones de moda todo se recicla y los diseñadores han tomado la década de los 90 como fuente de inspiración.

Si no quieres quedarte desfasado tendrás que rescatar del armario los vaqueros con rotos y las camisas horteras florales que tanto proliferaron en los noventa. 

Aunque admitámoslo, esa no fue una década precisamente  “glamurosa”. Hasta hace nada mucha gente renegaba de ella, y con toda la razón. Estilísticamente hablando fue una período hortera. Y sin embargo, será la perspectiva, pero con qué cariño la recordamos. Ahora evocamos las mallas florales con cariño, las camisas ombligueras fluorescentes no nos parecen tan cutres, y revolvemos en nuestros joyeros buscando aquellos anillos tan chulos con calaveras y cruces que a nuestra abuela le horrorizaban. Pero si quieres dar el pego de verdad, y parecer un “noventero” como dios manda, te aconsejo que sigas leyendo.

¿Te animas a hacer un viaje en el tiempo hasta esa década?

Te acuerdas de…

¿Las Doc Martens?

Si había algo chulo de verdad que los jóvenes debían llevar en los 90 eran unas Doc Martens de colores. Unas originales Doc Martens podían dejarte sin la paga de todo un año pero, ¡y lo qué fardábamos después con ellas puestas!

Botas militares. Normales o en su versión ligeramente más extrema de caña alta. 

Durante los 90 las botas, en todas sus versionas, moteras, militares, con puntera metálica, fueron imprescindibles. Botas con un poco de plataforma y de aspecto agresivo con las que intimidar a cualquier incauto que se topase con nosotros en la misma acera.

El estilo grunge puso de moda el aspecto desaliñado; camisas de cuadros, mugrientas zapatillas converse, vaqueros anchos, rotos y caídos, pelos largos sobre la cara, actitud pesimista, inconformista pero pasiva.

Otra tendencia más radical surgió en esta década, y sus fachas fueron imitadas por un determinado sector de la población con las ideas y las cabezas rasuradas. Fueron los skin heads, -grupo ultraderechista con ideología nazi-, y su malsana influencia llegó a poner de moda el estilo militar; “cazadoras bomber”,  pantalones  de camuflaje o ajustados pantalones pitillo. Estas cazadoras, usualmente negras con el forro naranja, abundaron en los armarios de algunos adolescentes con gustos por la música “bakala”. Las bomber se llamaron así porque eran las que usaban los pilotos de los bombarderos americanos durante la segunda guerra  mundial.

El tejido vaquero, en todas sus versiones, siguió encabezando la lista de prendas vitales en los armarios.

Pantalones vaqueros raídos, descocidos, con tachuelas, agujereados, recortados y rasgados. Esta tendencia surgió en los años 70 como símbolo de rebeldía durante la era punk. La estética grunge se adjudicó como propia la moda de los rotos, tanto en jeans, como en jerséis, chalecos y camisetas.

Existe un precedente en este tipo de ropa. Se llamaban lansquenetes a los soldados alemanes del siglo XVI; estos tenían la costumbre de aprovechar las prendas de los caídos en combate; si les quedaban pequeñas, les pegaban tajos para podérsela poner. Siglos después los artesanos de la moda empezarían a confeccionarlas así.

Fueron muy usuales los vestidos con estampados florales estilo babydoll; el candor de esta prenda se contrarrestaba con el calzado, normalmente botas militares.

En esta década surgió el rap, el hip hop, el grunge, el indie, y la música tecno, pero el pop y el rock siguieron sonando fuerte.

Aerosmith, Bon Jovi, Lenny Kravitz, Sheril Crow, Alanis Morrisette; fueron algunos de los rockeros que más se escucharon durante esta década; el rock siguió conquistando a las masas, sin embargo el pop siguió en la cima,  manteniendo su férrea hegemonía frente a los demás estilos musicales.

Oasis y su Wonderwall, Blur y su There's No Other Way, Iggy Pop y su lust for life, Nirvana y su Smell like teen spirit, se convirtieron en los himnos de toda una generación. Otros grupos prefabricados, como Take That, Backstreet Boys, Spice Girl,  surgieron para revolucionar el panorama musical, caracterizándose por un desmesurado fenómeno fan. 

El suicidio de Kurt Cobain en 1994 puso fin al grunge; un estilo que surgió en EEUU a finales de los ochenta y que  se caracterizada por una profunda apatía y amargura interior. Un desencanto contagioso inoculado en los jóvenes de entonces a través de las letras y el sonido desgarrado de sus guitarras.

En nuestro país “La ruta del bacalao”, movió a cientos de jóvenes que, de peregrinación en peregrinación, recorrían cada “finde” los templos  del hard core y el tecno puestos de éxtasis hasta las cejas. 

Si pasaste tus años “ce” en los noventa te acordarás de revistas como SuperPop, Bravo, o Vale. Un vademécum de adolescencia dividido en secciones y con consejos de todo tipo. También sexuales. Fichas y entrevistas de los actores y cantantes de moda; test, posters, relatos y consultorio. A la SuperPop, la número uno de este tipo de publicaciones, se le debe el termino “carpetera/o”, no en vano suministraron durante años el material para forrar las carpetas de todos los adolescentes de la llamada generación X; una generación perdida, marcada por la desgana, sin nombre ni identidad propia.

En los 90 Internet daba sus primeros y temblorosos pasos, y los jóvenes de entonces encontraban en la televisión sus modelos a seguir. Series como El príncipe de Bel Air, Expediente X,  o Los Simpsons triunfaban y marcaban tendencia.

Y aunque aún no existía facebook ni twitter ni youtube, y los primeros móviles eran ladrillos poco prácticos, existían los videojuegos y videoconsolas,  como la Sega o Nintendo.  Y en 1996 apareció un juguete japonés electrónico llamado “Tamagotchi” que te ponía al cuidado de una mascota virtual a la que debías cuidar para impedir que muriera. Era la primera vez que un juguete permitía la interacción y ello favoreció que se convirtiera en todo un fenómeno a nivel mundial.

Algunos consumidores llegaron a obsesionarse tanto con el juguete que en psicología  surgió un nuevo termino para designar este fenómeno. “Efecto Tamagotchi”, es decir, una dependencia excesiva y emocional hacia maquinas, robots y software en general. (¿Qué dirían ahora de la dependencia obsesiva y enfermiza de móviles que vivimos en la actualidad? ¡Uf!)

Por supuesto el cine también creaba modas. Los 90 fueron los tiempos de la clonación gracias a la oveja Dolly. Steven Spielberg aprovechó la coyuntura mediática e hizo que Jurassic Park ahondara en esta idea. Gracias al ADN de dinosaurio encontrado en un mosquito atrapado en resina estos gigantes extinguidos cobraron vida y le reportaron al director un buen pellizco en las taquillas de todo el mundo.

Matrix, Pulp Fiction, Trainspotting, Titanic; fueron algunas de las películas revolucionarias en la época, cuando ir al cine era una opción económica y accesible a todos los bolsillos.

Los 90 fueron los años de la televisión. En nuestro país surgieron las privadas trayéndonos diversificación pero también telebasura. De la noche a la mañana los gustos cambiaron y los talk show y programas de corazón ganaron la batalla masificándose. 

La década estuvo marcada por dos guerras, la del golfo y la de Yugoslavia.  Y aunque se seguía luchando por erradicar el hambre y otras enfermedades en el tercer mundo, el sida y la desnutrición seguían haciendo estragos entre la población de África.

En nuestro país el terrorismo seguía robando vidas y el asesinato de Miguel Ángel Blanco provocó una marea de manos blancas sin precedentes. El rey del pop caía del trono y la polémica que le rodeó, acusaciones de pedofilia de por medio, destruyeron su carrera.

Fue la época de la Expo de Sevilla y de los Juegos Olímpicos de Barcelona.

La gente seguía felicitándose los cumpleaños cara a cara, y los niños aún jugaban en la calle. Las cabinas telefónicas tenían motivo de ser. Teníamos que ir a revelar los carretes de la cámara para poder ver las fotos de nuestras vacaciones, y no existía el Photoshop para disimular el acné. La belleza aún seguía siendo auténtica, y los cánones creíbles y saludables.

Se puso de moda la realidad virtual, los Drag Queen, y lo latino. Incluso Enrique Iglesias, con su voz de gato atropellado, consiguió hacerse un hueco  en el panorama musical.

Y llegó la amenaza del fin del mundo. El temible efecto 2000, que presagiaba catástrofes y que al final, como suele suceder con estas cosas, quedó en nada.

La verdad es que el cambio de siglo y de milenio fue muy tranquilo.

La década de los 90 quedó atrás, y la olvidamos rápido para recibir a la extraña década del 2000; una década que podría resumirse en los libros de historia con dos enormes ceros.

Y para qué negarlo, lo cierto es que nunca echamos de menos los 90, pero ahora, ahora que su espíritu parece resurgir con fuerza, echamos la vista atrás y tenemos que admitir que lo que vino después no fue mucho mejor…

Será el tiempo que lo suaviza todo, o que en el fondo la nostalgia nos hace ver con más cariño las cosas pasadas.

O tal vez que somos más influenciables y permeables a las modas de lo que creemos.

De moda o no, los 90 fueron, pese a todo, pese a los zapatos feos, la música estridente y Enrique Iglesias, una buena época.

Sarah Jaffe

Sarah Jaffe nació hace  26 años en la ciudad de Denton, Texas. Además de cantante es compositora. En el 2008 lanzó un EP , elogiado por la revista Rolling Stones, pero no fue hasta el 2010 que sacó su primer álbum, Suburban Nature. Sarah,  que se había mostrado como una cantautora del folk más tradicional, empezó a ganarse el reconocimiento musical norteamericano al demostrar que es capaz de reinventarse y ser versátil. En 2011, sólo un año después de su primer album,  publica The Way Sound Leaves a Room, un EP en el que su sonido evoluciona desde el folk hacia el rock. Tras este disco, y de nuevo un año despues, en abril de 2012,  Sarah Jaffe publica The Body Wins. El sonido de su nuevo trabajo fluctua entre el hip hop y la música electrónica. En  esta nueva transformación Sarah Jaffe contó con el apoyo del productor John Congleton, quien ha colaborado con bandas independientes como los Explosions In The Sky o The Walkmen.
 

Jake Bugg

A pesar de su juventud, nació el 28 de febrero de 1994, este cantante y compositor, originario de Nottingham, Inglaterra, tenía claro desde muy pequeño que quería dedicarse a la música. A los 12 años  escuchó la canción “Vincent” de Don Mclean en un capítulo de Los Simpson, y tanto le gustó que quiso imitarlo, así que su tío, Michael Kennedy, le regaló una guitarra y le enseñó a tocar unos acordes básicos. A partir de ahí comenzó a componer su propia música, aprendiendo de forma autodidacta viendo vídeos en YouTube. A los 17 hizo una audición para tocar en el festival de Glastonbudget pero fue rechazado, sin embargo al día siguiente recibió una llamada de BBC Radio 1 en la que le invitaron a participar en el Introducing Stage del Festival de Glastonbury, en junio de 2011. Unos meses después firmó con la discográfica Mercury Records y empezó a grabar sus primeros singles: Trouble Town, Country Song, Lighting Bolt, Taste It y Two Fingers. Country Song, además, se usaría en el anuncio televisivo de la cerveza Greene King IPA.

El 2012 fue un año clave para Jake Bugg. Hizo pequeñas giras por Reino Unido y Europa, tocó en festivales, fue telonero de Noel Gallagher, de Stone Roses y de The Killers para el iTunes Festival. En octubre y noviembre acompaña a Noel Gallagher en la gira promocional de su nuevo disco Noel Gallagher's High Flying Birds por Canadá, Estados Unidos y Europa, y realiza una gira de un mes por el Reino Unido para presentar su primer álbum, publicado el 15 de octubre de 2012.

Su música es fundamentalmente folk-rock. Sus principales influencias son Donovan, Jimi Hendrix, Don McLean, The Everly Brothers, The Beatles, Robert Johnson, Johnny Cash, Oasis y Arctic Monkeys.

 

 

Cinco canciones de ruptura

 

Not as we - Alanis Morrisette.

Qué difícil escoger únicamente una canción de Alanis que hable de desamor, de ruptura, de dolor y perdida. Alanis quedó devastada por la ruptura con Ryan Reynols tras cinco años de noviazgo. Él no se portó nada bien pues mientras aún mantenía una relación con ella salía a escondidas con Scarlett Johansson, con la que terminó casándose, y divorciándose posteriormente, tras un año de relación. Alanis cayó en una depresión, engordó mucho, y dijo que su disco Flavors of Entanglement, que salió en el año 2008, estaba inspirado en esa ruptura. No hay más que escuchar cualquiera de sus canciones para comprender la dimensión de su dolor. No era la primera vez que Alanis desahogaba sus penas por sus decepciones amorosas en sus canciones. En 1995 le dedicó a su ex, Dave Coulier, la canción “You Oughta Know”, cuando éste la dejó por otra.

Cry me a river - Justin Timberlake.

Eran una pareja idílica. Durante años ofrecieron al público una imagen tan perfecta como falsa. Embajadores de Disney durante sus años de adolescencia, los dos trabajaron juntos durante muchos años y el roce hizo el cariño. Britney declaró que quería llegar virgen al matrimonio, algo que, lógicamente,  le reportó una imagen dulce y cándida que en nada tenía que ver con su verdadera cara. Ambos parecían muy enamorados en sus apariciones públicas. Pero la dulce y virginal Britney comenzó a cambiar y Justin, con la mosca tras la oreja, contrató un detective privado para saber la causa de aquella transformación. No tardó en descubrir que ella le era infiel.  De aquella traición  surgió “Cry me a river” que Justin le dedicó, no oficialmente, a la que hasta entonces había sido su novia.

Somebody tan I used to know - Goyte

Superar una ruptura no es fácil, hay quien no llega a conseguirlo nunca, y hay quien tras una traumática experiencia de ese calibre vuelca su “rencor” y dolor de una manera artística: en forma de canción. El cantante belga, Goyte, ha triunfado en medio mundo gracias a “Somebody tan I used to know”, un título que ya lo dice todo. La canción habla sobre esa clase de tristeza, adictiva, que es del gusto de muchas personas. Porque entre el dolor y la nada hay que decantarse por lo que te hace estar vivo, con todas sus consecuencias.  Alguien que yo conocía... es lo peor que puedes decir de una persona que amaste; significa fracaso, decepción y pena. Goyte ha reconocido que para escribir la canción se inspiró en sus experiencias pasadas, sobre todo en una relación que, aunque acabó amistosamente, le marcó especialmente pues antes de llegar a esa decisión pasaron por momentos muy duros.

No distance left to run – Blur

Luego, hay ocasiones, en las que sabes, antes de empezar incluso, que esa relación no va a ninguna parte. Lo sabes, pero prefieres engañarte, o quizás la responsable es esa vena masoquista que se lleva nuestra sangre directamente de golpe al corazón, dejando a nuestro cerebro sin riego y sin tino. Nos volvemos tontos, pero pensamos que el sufrimiento futuro vale la pena por vivir ese presente de ilusión efímera. Y quizás así sea. De eso habla Blur en No distance to left run.  El disco que contiene la canción, 13, está considerado por muchos como el mejor de la banda. Su líder, Damon Albarn, no estaba pasando un buen momento, acababa de dejarlo con su novia, Justine Frischmann del grupo Elastica, y estaba emocionalmente devastado, algo que influyó inevitablemente en el sonido y las letras del disco.

Love is a losing game – Amy Winehouse

Sus excesos con las drogas y el alcohol eclipsaron su enorme talento. No le dio tiempo a tener una larga carrera musical pero dejó para el recuerdo dos discos de estudio y un tercero póstumo, con canciones que por derecho propio han pasado a la historia de la música. Su disco más desgarrador es sin duda “Back to Black” en el que destacan canciones como “Love is a losing game”, “You know I´m no good” o  la canción que da título al disco, “Back to black”, en ellas Amy plasmó sus miedos, sus frustraciones con el amor, y su dependencia de las drogas, exponiendo su corazón y la vulnerable melancolía que emanaba de su interior. Algo tan personal no podía pasar desapercibido y el disco fue un éxito, un éxito fugaz para Amy quien moriría en 2011. Su corta vida estuvo marcada por el amor y el desamor, y sobre todo por el hombre de su vida, Blake Fielder, la persona que llevó Amy al infierno; él fue quien la introdujo en el mundo de las drogas duras, y quien en 2005 la abandonó para volver con su ex novia. Aunque Amy quedó destrozada no podía odiarlo porque aún lo amaba, así que volcó todas sus emociones en su música, y escribió “Love Is A Losing Game”, una de esas canciones que  traspasan la piel.

 

 

 

 

 

 

 

Iyeoka Okoawo

Iyeoka Okoawo es una cantante, poeta y activista de origen nigeriano que se mueve en terrenos cercanos al soul, blues o jazz.

Iyeoka comenzó su carrera musical con el grupo The Rock Funk Tribe, un colectivo de músicos que le permitió entrelazar su poesía con el jazz, blues, funk y el góspel. En 2004 lanzó su primer álbum “Black and Blues”,  al que le siguió un segundo disco en 2008, llamado “Hum The Bass Line”. Su tercer disco salió en 2010, “Say yes”, que posee un sonido más R&B, pop con pinceladas de hip hop.

Iyeoka está inmersa en el proyecto “Letras de alfabetización”, una iniciativa que a través de cuentos, proverbios y música pretende conservar la lengua “ESAN”, un dialecto nativo del estado de Edo, Nigeria, en peligro de extinción.

Su poderosa voz me recuerda mucho a la de la desaparecida Amy Winehouse, pero también encuentro un matiz muy parecido al de Nina Simone, sin duda Iyeoka tiene una de esas voces difíciles de olvidar, y un talento único.

Noah and the whale

Esta banda  inglesa se formó en 2006. El nombre es un juego de palabras al mezclar el titulo de película favorita de uno de sus componentes, The Squid and the Whale, con el nombre del director de la cinta, Noah Baumbach.

En sus inicios la voz femenina la pusieron dos mujeres,  Emmy the Great y Rebecca Taylor de Slow Club, aunque finalmente sería Laura Marling quien ocuparía el puesto.

Rápidamente la banda se abrió camino en la escena londinense y comenzó a grabar algunos singles. Su tema “5 years time” fue lanzado el 2007, y la recepción de la crítica fue favorable. Su primer álbum “Peaceful, the world lays me down” fue lanzado en 2008. Tras el lanzamiento la banda lanzó un EP de edición limitada titulado “Noah and the Whale presents the A sides”, que contiene canciones inéditas y covers realizados por ellos. El dinero recaudado con este disco fue utilizado por Age Concern, una ONG encargada del cuidado de ancianos.

Tras su gran éxito con su primer álbum, la banda tuvo que lidiar con la partida de Laura Marling, quien comenzó su carrera como solista.

Su segundo álbum se titula “The first days of spring”, y supuso un cambio en cuanto a las letras y música. El álbum, lanzado en 2009,  está marcado por la ausencia de voz femenina y una cierta melancolía que se ve representada a través de la narración que se nos presenta en las canciones.

Su tercer álbum, titulado “Last night on Earth”, fue lanzado el 7 de marzo del 2011 en Reino Unido.

A pesar del leve cambio musical que tiene el álbum, acercándose a algo más pop, llegó al número 8 en la lista oficial de discos de UK, presentando como primer single “L.I.F.E.G.O.E.S.O.N”, el cual llegó al puesto número 14 en la lista de singles de Reino Unido luego de su lanzamiento el 23 de enero del 2011.

Lindsey Stirling

Entre los muchos artistas que triunfan gracias a YouTube, Lindsey Stirling destaca por su originalidad, y es que no es muy habitual ver a una artista interpretar temas actuales y tan rockeros  a rimo de violín, un instrumento que siempre se ha asociado a la música clásica. Además de ser una excelente violinista –comenzó a tocarlo a los cinco años-, esta joven californiana de 26 años tiene formación en danza contemporánea y lo demuestra en todos sus videos, donde se la puede ver bailando con su particular estilo; especialmente conocidos son su “cover” de videojuegos.

Lindsey participó en “Got Talent” en 2010 donde además de llevarse el mote de “la violinista del hip hop” consiguió colarse en los cuartos de final. Tras esta experiencia sacó un disco, Lindsey Stomp, pero el éxito le llegó con YouTube y sus videos, los cuales reciben miles de visitas al día. Tiene 640.000 suscriptores en su canal y se ha contabilizado 102 millones de visitas.

Lindsey dice que su estilo musical es un reflejo de su personalidad, que mezcla de manera perfecta ritmos electrónicos y clásicos.

Hace muy poco tiempo sacó un nuevo disco titulado “Lindsey Stirling”. Stirling quiere ser un modelo positivo para las adolescentes. "Quiero demostrar que no tienen que encajar para ser aceptados. El mayor valor surge del amor a ti mismo por lo que eres."

Reconozco estar enganchada a los videos de esta pizpireta violinista, a su manera de bailar, tan vital y contagiosa, y a su ritmo frenético y súper alegre. Seguro que a ti tampoco te dejará indiferente.

No olvides visitar su canal: Lindsey Stirling

Os dejo los cuatro videos suyos, que los disfrutéis:

Merry Christmas

Matt Cardle

Matt Cardle se hizo conocido en el 2010, cuando ganó la séptima edición del talent show británico The X Factor, lo que incluía  un sustancioso contrato con Syco Music por un millón de libras. Su primer sencillo, “When We Collide”, arrasó en Reino Unido e Irlanda, alcanzando directamente el número uno. Llegó a vender, sólo en su primera semana, más de 439.000 copias

Matthew Sheridan "Matt" Cardle nació el 15 de abril de 1983 en Southampton, Hampshire, Inglaterra. A los cuatro años le diagnosticaron un tumor de Wilms, del que se recuperó aunque se dejó por el camino  un riñón. Antes de saltar a la fama desempeñó trabajos de lo más variado; fue albañil, cartero, lechero, pintor y decorador. Aunque siempre tuvo claro que su pasión era la música.
El 29 de octubre publicó su nuevo trabajo, The Fire.

Hace poquito descubrí a este joven cantautor y guitarrista, y tengo que reconocer que su voz suave me ha conquistado. Escúchalo sin prisa, y si puedes hazlo de noche, en la hora de las musas, cuando los sonidos se apagan y se enciende la inspiración. Seguro que su voz conseguirá dejarte profundamente relajado.

El onírico Alexander Jansson

Paseamos hoy por los suburbios de la mente creadora de Alexander Jansson, un artista independiente sueco afincado en Gotemburgo, que a través de sus ilustraciones nos introduce en un extraño y oscuro mundo en el que la frontera entre los sueños y las pesadillas es tenue e indefinida.

Jansson es un artista que toca muchos palos como la ilustración, el arte conceptual, el diseño gráfico o la animación, entre otros, pero casi todos sus trabajos tienen un punto en común que es su peculiar universo, plagado de personajes imposibles y escenas oníricas en las que las leyes físicas no tienen mucho sentido. Los miedos y las ilusiones se mezclan en su paleta de tonos oscuros y difuminados para contar historias, pero no las suyas, si no las que nosotros podamos llegar a imaginar.

Su trabajo es el vehículo de la imaginación. Destino: la fantasía. Sólo queda entonces que disfrutes de su arte…

Fuentes:

tejiendoelmundo.wordpress.com/2011/08/03/los-mundos-de-alexander-jansson/

enkil.org/2010/07/30/alexander-jansson-extranas-aventuras

.alexanderjansson.com

Música: Yann Tiersen-Le Matin.

Birdy

Esta joven cantautora británica comenzó su carrera en 2008 tras ganar el Open Mic UK. Su estilo es una mezcla folk y pop.

Su nombre real es Jasmine Van den Bogaerde, nació en Hampshire, Inglaterra, el 15 de mayo de 1996. Conocida artísticamente como Birdy, además de pianista es  compositora de folk e indie pop. Hija de músicos, comenzó su carrera durante su infancia. A los 12 años se popularizó en Reino Unido al ganar el concurso Open Mic UK, al cual se habían presentado más de 10.000 participantes de todas las edades.

Después de que ganara este concurso, muchas discográficas se interesaron por Birdy, pero al final decidió firmar por Atlantic y 14th Floor Records.

Su particular estilo mezcla elementos del folk británico, del pop y del rock alternativo.

Los artistas que más han influido a Birdy son James Morrison, Bon Iver, Florence + the Machine y Adele. Su versión de «Skinny Love», de Bon Iver en 2011, fue su primer éxito en listas musicales del Reino Unido.